MARCO DE MUTIIS
> Metronom: Come Digital Curator del Fotomuseum Winterthur, ti occupi in particolare del progetto SITUATIONS. Potresti introdurci il lavoro nel dettaglio?
Marco De Mutiis: SITUATIONS è un format espositivo sperimentale e laboratorio di ricerca con un focus dedicato al ruolo in evoluzione dei media fotografici. L’idea, sin dal suo inizio nel 2015, era quella di creare uno spazio per indagare le trasformazioni che la fotografia sta attraversando, seguendone anche le traiettorie storiche. È stato uno dei primi progetti in cui sono entrato a far parte al Fotomuseum, che in quel momento stava vivendo un processo di riposizionamento, in una fase in cui musei e istituzioni cercavano di affrontare le trasformazioni che il mezzo fotografico stava, e sta ancora, attraversando; soprattutto nel contesto digitale e di rete. SITUATIONS nasce come piattaforma online e insieme spazio fisico, all’interno di Fotomuseum, con una programmazione che va dalle 3 alle 5 mostre tematiche (o cluster) all’anno, che ruotano attorno ad alcune di quelle che riteniamo siano le questioni chiave in questa fase di trasformazione del mezzo. In questo momento contiamo 171 “situazioni”, raccolte in 20 gruppi che hanno esplorato argomenti come gli apparati, le politiche di rappresentazione, circolazione e distribuzione, verità e non-indicizzazione, impermanzenza e infrastrutture, e molti altri. Le “situazioni” possono essere opere d’arte, ma anche citazioni, saggi, spettacoli, conferenze, interviste video, workshop o altre forme, e possono svolgersi tramite il canale online di Fotomuseum, una casella di posta elettronica o altre posizioni. Il sito web situation.fotomuseum.ch funge da piattaforma centrale per esplorare i vari nodi di questa rete di voci rizomatiche ed è la sede del progetto specifico online, contenente un archivio di “situazioni” passate, che vengono aggiornate e arricchite con immagini di installazione, interviste video con artisti e documentazioni di discorsi ed eventi. Inoltre, tutte le “situazioni” sono contrassegnate da parole chiave tratte da un vocabolario specifico che può essere utilizzato per creare nuove connessioni, consentendo agli utenti di riconfigurare nuovi cluster tematici, raggruppando specifici contributi in tutto l’archivio. Queste connessioni vengono costantemente aggiornate con il rilascio di nuove situazioni e offrono un’esperienza e uno strumento di ricerca che potrebbero essere possibili solo attraverso piattaforme digitali online. In questo senso pensiamo che SITUATIONS sia una risorsa in crescita a livello internazionale che continua a riconfigurarsi e a espandere l’esperienza fisica frammentaria dell’esposizione tradizionale.
Il progetto è stato ispirato dal potenziale offerto dalle tecnologie online e applicato a un approccio discorsivo nel campo della fotografia, ed è diventato uno strumento online complementare e compagno ideale del nostro blog Still Search, lanciato nel 2012 e che ospita alcuni degli autori più interessanti del dibattito sulla fotografia contemporanea e sulla creazione di immagini.
> M: Computer games e simulazione sono alcuni dei tuoi campi di ricerca. Come rivela ad esempio il progetto Camera Ludica, un video essay realizzato per il media wall di Photographers’ Gallery, in cui tratti del rapporto tra fotografia e computer games. Che impatto stanno avendo questi strumenti rispetto all’arte contemporanea e alla sua fruizione?
MDM: Ho iniziato a interessarmi al fenomeno della cosiddetta fotografia in-game nel 2015, che ha portato al cluster di SITUATIONS / Play. La fotografia e i videogiochi hanno una relazione particolarmente intrigante a mio parere, e molti artisti stanno lavorando con i giochi – screenshot, modding o semplicemente utilizzando la macchina fotografica – in modi che sfidano la nozione di ciò che può essere considerato tradizionalmente fotografia. D’altra parte gli sviluppatori hanno iniziato ad aggiungere “modalità foto”, ossia funzioni che mettono in pausa il gameplay per permettere ai giocatori di controllare la fotocamera e scattare foto nel gioco, e persino creare NPC (personaggi non giocabili) che scattano autonomamente le immagini man mano che i giocatori avanzano nel gioco. Le immagini CGI (Computer Generated Images) sono diventate sempre più fotorealistiche e le persone hanno iniziato a ricreare opere famose nei giochi e persino a estenderle (per esempio, alcuni artisti hanno fatto il loro debutto sulle 26 stazioni benzina di Ed Ruscha, riportandolo in Grand Theft Auto V). Infine c’è un genere di giochi di simulazione di nicchia che ti permette di assumere il ruolo di fotografo, e di “gamificare” e “quantificare” l’atto del fotografare. Queste simulazioni trasformano lo scattare un’immagine in un’attività di sistema a punti, che solleva anche domande interessanti su come definiamo e distinguiamo una fotografia “buona” o “cattiva” attraverso degli algoritmi – il che si ricollega agli sviluppi più generali della visione artificiale nelle immagini fotografiche anche al di fuori dei contesto dei giochi. Tutte queste pratiche sollevano molte domande sul ruolo dei fotografi, sulla loro relazione con gli algoritmi e le regole del gioco, ma anche sulla fotografia quando questa si trasforma in uno screenshot o un’immagine generata da un computer, indistinguibile da realizzata dalla macchina fotografica nel mondo fenomenico.
Sono diventato ossessionato da questo universo e ora ho intenzione di trasformare tutto questo in una mostra nel 2021, esplorando i problemi che queste pratiche mettono in luce in relazione alla fotografia. Per ora raccolgo tutte le mie scoperte in un blog pubblico aperto (e disorganizzato): ingame.photography.
> M: Oltre all’attività curatoriale, fai parte di un progetto di ricerca, promosso dall’Università di Lucerna, chiamato“post-photography”. Di cosa si occupa precisamente? Più in generale, cosa si intende con questo termine?
MDM: Sto portando avanti la mia ricerca sulla fotografia e sui giochi per computer all’interno del gruppo di ricerca sulla post-fotografia presso l’Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna. La ricerca collettiva si propone di affrontare molte delle trasformazioni di cui ho parlato riguardo alle SITUAZIONI e di tracciare nuovi modi per definire e comprendere la fotografia da una prospettiva accademica. “post-fotografia” è un termine divertente. È saltato fuori in diversi momenti e in diversi contesti (per esempio Geoffrey Batchen ne parla nel 1992 e Joan Fontcuberta lo utilizza nel 2015 in un contesto completamente diverso). Sembra esserci una certa riluttanza ad accettare questo cambiamento nel mezzo e parlare solo di fotografia, e sento sempre che il c’è la tendenza a definirla sempre o morta o rinata. In altre parole, la fotografia sembra essere sempre morta, o meglio uccisa, ma i suoi assassini sono sempre diversi. Negli anni ’90 era la crisi della svolta dal reale al digitale, poi il flusso di immagini che circolavano in enormi quantità dei primi anni ’00, poi i social media e i selfie del cosiddetto web 2.0, ora forse sono i GAN (GenerativeAdversarial Networks) e la tecnologia della machine vision? Mi piace sostenere l’idea che la fotografia sia non-morta, una fotografia degli zombi, come la chiamava Andrew Dewdney, o l’idea di Domenico Quaranta di una fotografia computazionale come “bodysnatcher”, cioè che indossa il corpo del suo precedente proprietario. Come potete immaginare dai miei commenti, non sono un fan del post-fotografia come termine, perché implicherebbe anche che abbiamo superato i problemi e le problematiche delle discipline e possiamo passare ad un campo di indagine incontaminato perché abbiamo risolto tutti le questioni precedenti, come Nishant Shah ha commentato le idee generali di “post-ness”. Ma è un termine conveniente, un compromesso in modo che le persone capiscano il contesto del discorso, direi. Di recente ho co-fondato un collettivo di curatori e provocatori della fotografia “canaglia” con un progetto intitolato “Non devi chiamarlo fotografia se questa espressione ti ferisce”. Insieme a Katrina Sluis, Jon Uriarte e altri coraggiosi screenhotters abbiamo lanciato un manifesto sovversivo e un negozio online per toccare con mano tutte queste domande e infiltrarsi nei tradizionali luoghi della creazione della conoscenza. Abbiamo appena lanciato il progetto qui: youmustnotcallit.photography. Chiunque può mandare una mail per unirsi o per comprare un preservativo con una citazione dalla Camera Lucida di Barthes, o una tazza con Paris Hilton che si autoproclama l’inventrice del selfie.
> M: Come si sta inserendo la figura, per così dire nuova, del digital curator all’interno del contesto artistico istituzionale, come quello del Fotomuseum Winterthur? Potresti inquadrarci meglio questo ruolo?
Pensando al ruolo e all’impatto incendibilmente dominante delle culture computazionali e online, si potrebbe pensare e sperare che il termine “digitale” non sia richiesto e che la competenza sarebbe implicita in ruoli curatoriali. Anche questo “digitale” (proprio come quello che abbiamo detto di “post”) rafforza la frattura tra culture analogiche e digitali, quando invece nel mio lavoro vivo sempre un grande scambio con altri curatori, ricercatori e artisti indipendentemente dal loro livello di digitalità, se esiste una cosa del genere. Allo stesso tempo, mi piace il mio titolo di curatore digitale e la sua esistenza ironica, specialmente se si pensa all’idea del possibile titolo di controparte di un curatore “analogico”. Realisticamente, tuttavia, sento che molte istituzioni culturali sono lente nell’adattarsi, anche perché il cambiamento richiede infrastrutture, visioni e politiche di finanziamento per cambiare. Non è facile per le istituzioni di piccole e medie dimensioni sopravvivere con gli attuali modelli economici, quindi ampliare l’attenzione di un museo per avventurarsi in questo territorio è ovviamente un rischio che non tutti possono permettersi. Il mio lavoro si colloca tra la ricerca curatoriale nel campo delle forme di fotografia digitali e in rete, e il lato più tecnico dell’infrastruttura digitale del museo. La seconda parte ha a che fare con questioni di archiviazione e conservazione dei contenuti del museo in una prospettiva a lungo termine, anche tenendo presente cosa può essere un museo negli spazi online e digitali e come creare nuovi spazi di transfer della conoscenza. Ci sono certamente molte altre grandi istituzioni che fanno un lavoro fantastico – nel campo della fotografia La Photographers’ Gallery di Londra si distingue per il suo programma digitale e la piattaforma di unthinking.photograph, e anche Foto Colectania a Barcellona, con DONE, sta facendo grandi cose. Detto ciò, penso che spazi più piccoli e meno istituzionali siano quelli che stanno facendo cose più eccitanti, esplorando spazi che possono essere utilizzati (e abusati) per interventi culturali e artistici. Sono un fan del localhost di Drew Nikonowicz, che è uno spazio artistico creato su un server Minecraft, in cui lo spazio è riconfigurato in base a ciascuna mostra (localhostgallery.nikonowicz.com). Ho adorato il progetto “Not Only Cigarettes” di Luca Leggero, della Green Cube Gallery, che realizza una mostra di video art contenuta negli schermi dei distributori automatici di sigarette (greencube.gallery/exhibition/not-only-cigarettes). Sebastian Schmieg’s Gallery Delivery è un’esposizione collettiva on demand, che viene consegnata a casa tua e installata da un corriere della bicicletta (gallery.delivery). SCREEN_ è uno “spazio” d’arte basato su e-mail di Ada Wright Potter che produce opere mensili, inviate / ricevute via e-mail (screen-space.info).
•
Marco De Mutiis lavora come Digital Curator presso il Fotomuseum Winterthur, dove dirige e co-cura il programma SITUATIONS e si occupa anche di questioni relative alle infrastrutture digitali, ai musei online e alla fotografia nelle sue forme di rete e algoritmiche. Attualmente fa anche parte di un progetto di ricerca finanziato dalla SNF intitolato “Post-Photography” in collaborazione con la Lucerne University of Applied Sciences e Arts, svolgendo ricerche sui giochi per computer e sulla fotografia, guardando alle simulazioni, il fotorealismo nei giochi, le modalità fotografiche, il gioco fotografico e pratiche di screenshot. È anche co-iniziatore e membro fondatore del collettivo “You Must Not Call It Photography If This Expression Hurts You”.
4/06/2019